Степ, как вид танцевального искусства

Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего профессионального образования

" Хакасский государственный университет им. Н.Ф. Катанова"

Институт искусств Музыкальный колледж СТЕП, КАК ВИД ТАНЦЕВАЛЬНОГО ИСКУССТВА КУРСОВАЯ РАБОТА ПО ДИСЦИПЛИНЕ «мастерство хореографа» СПЕЦИАЛЬНОСТИ

71 501 «НАРОДНОЕ ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ТВОРЧЕСТВО»

Выполнила:

студентка 3 курса специализации ХТ Стручкова.Ю.В.

АБАКАН

— 2015;

Оглавление Введение

1. Степ как вид искусства

1.1 Сущность и понятие степа

1.2 История развития степа

2. Современные стили хореографии

2.1 Уличные танцы

2.2 Современные танцы

2.3 Бальные танцы

2.4 Латиноамериканские танцы Заключение Библиографический список Введение СТЕП (от англ. step — шаг, делать па), или теп, тепданс (от англ. tep, tepdance — легкий стук или удар), или чечетка, — направление в эстрадном танце, ставящее во главу угла ритмич. рисунок звуков, возникающий от удара стопы об пол. Для усиления звука и придания ему тембра к носкам и каблукам башмаков прикрепляются металлич. пластинки. Истоки С. коренятся в характерных разновидностях народных танцев: в исп. сапатеадо, ирланд. джиге, рус. дробушках, афр. и амер. плясках. Неоспоримо и влияние на него музыки свинга и джаза. С. возник в США из слияния афр. и европ. нац. культур, но и сегодня различают С. белый и черный, или англ. и амер. Золотым веком С. были 1930—40-е гг., его выдающимися представителями — Ф. Астер, Д. Роджерс, Д. Келли. Гастроли в России негритянских танцоров, демонстрация муз. фильмов сделали «амер. чечетку» одним из самых популярных жанров рус. эстрады. Ее приемы использовались в разл. танцах, в т. ч. в матлоте — матросской чечетке. Среди сов. чечеточников наиболее известны Б. и Ю. Гусаковы, семья Зерновых, В. Кирсанов.

Глава 1. Степ как вид искусства

1.1 Сущность и понятие степа Степ — это очень сложный танец, в котором основной акцент делается на работу ног. История степ-танцев может быть прослежена до самого момента завоза на американский континент чернокожих рабов из Африки, соответственно, степ стал частью ранней американской культуры. Стоить отметить, что за столько времени степ не умер, его танцуют до сих пор. Понимание американской истории танца просто невозможно без понимания сущности степа. Рабам после того, как их завезли в Америку, начали запрещать общаться на родном языке и сохранять свои обычаи. Рабовладельцы считали, что если позволить рабам сохранять свою культуру и обычаи, то это будет препятствовать «контролю и управлению рабами». В результате, рабы разработали собственную новую культуру, существенной частью которой являлся танец степ. Во время рабства степ был методом общения и использовался для передачи важных сообщений и новостей. Во время Второй мировой войны, многие афроамериканские солдаты при отдыхе танцевали степ. Этот танец стал существенным развлечением и способом поддержки боевого духа. Вторая мировая война превратила степ из средства связи и общения рабов в развлечение, что стало очень важным изменением для степа. Поскольку необходимость для тайного общения исчезла, танец обрел новую жизнь в качестве источника развлечения. В него добавились ритмы мотауна и хип-хопа, после чего степ стал более спортивным и сложным

· пластика и сила ног,

· динамика — «варьирование размаха и напряженности движений»,

· темп и ритм движения,

· пространственный рисунок, композиция.

· костюм и реквизит.

Большое значение имеет техника — «степень владения телом и мастерство в выполнении основных па и позиций». Степ обычно практикуется чернокожими студенческими братствами и играет большую роль в университетских городках множества колледжей, где исторически учились афроамериканцы. Обучение степу часто используется в качестве посвящения в некоторые братства. Темп — это простейшая форма танцевального движения, различные танцевальные сочетания образуют па. Танец измеряется теми же длительностями, что и музыка и подчинён законам определённой музыкальной системы. В танце движения определены заранее, в отличие от пляски, которая импровизируется.

Определение того, что такое танец, сильно зависит от исторического и культурного контекстов. Хэвлок Эллис определял танец как виртуозное развитие сексуального импульса.

Американский хореограф Марта Грэм определяла степ как подлинное выражение глубочайших душевных чувств, высвобождаемое через движение тела. Антрополог Джоан Кеалиинохомоку даёт следующее определение: «степ — это преходящий, мимолетный способ экспрессии, происходящей в заданной форме и стиле посредством движений ног».

Жюль Шарлотта ван Кэмп (Julie Charlotte Van Camp) в своей диссертации собрала основные положения, из которых состоят определения танца: танец — это человеческое движение, которое формализовано, то есть выполняется в определенном стиле или по определенным шаблонам, имеет такие качества, как грациозность, элегантность, красота, сопровождается музыкой или другими ритмичными звуками, имеет целью рассказ сюжета и имеет целью коммуникацию или выражение чувств, тем, идей, которомумогут содействовать пантомима, костюм, декорации, сценический свет и пр. Но позднее этим словом стали называть все, что относится к искусству танца. В этом смысле употребляют это слово большинство современных деятелей танца. культуры общества. Век двадцатый дал степу все: от названия и терминологии до выработки основных стилей и индивидуальных школ преподавания. С точки зрения развития степа: все двадцатое столетие можно разделить на 5 этапов:

· 1900;1920;е годы — время становления степа как особого вида танца,

· 1930;40-е годы — «золотой век степа», сегрегация стилей,

· 1950;начало 1960;х — эпоха «застоя» ,

· середина 60-х -1980;ые годы — возрождение,

· 1990;ые-2000;ые — время экспериментов и больших шоу. Танец — это искусство, а всякое искусство должно отражать жизнь в образно-художественной форме. Специфика хореографии состоит в том, что мысли, чувства, переживания человека она передает без помощи речи, средствами движения и мимики. А музыкой этой был, безусловно, джаз. Именно джаз, также родившийся из сочетания западноафриканской и европейской традиции, дал грандиозный толчок развитию степа в 1900;1920;е годы. Яркая, необычная, синкопированная музыка, выросшая из рэгтайма, блюза, спиричуэла и построенная полностью на доминировании ритма, была словно создана для степа. Неудивительно, что степ в 10−20-х годах назывался «джазовым» и считался танцем «черных». И джаз, и степ воспринимались как оппозиция высокой («белой») культуре. Черные исполнители учились танцевать на улице, воруя друг у друга движения, соревнуясь друг с другом и оттачивая свое мастерство до блеска, чтобы потом проявив себя в конкурсах любителей (amateur contests), получить приглашение участвовать в больших «негритянских» шоу. Считается, что после войны Севера и Юга (1861−65), то есть тогда, когда смешение культур переживало настоящий бум, степ начал постепенно меняться: в танец были добавлены синкопированные удары, а движения танцоров стали более раскованными, свободными, а, кроме того, изменилось положение корпуса и тела. Но все это, была лишь предыстория, ибо все танцы, развивавшиеся в 18−19-ом веках называются исследователями английским словом «vernacular», то есть народными, традиционными. Формирование степа в том виде, в котором мы знаем его сегодня, связано именно с 20 веком Из года в год растет число самодеятельных танцевальных коллективов, повышается уровень их мастерства. Хореография родилась на заре человечества: еще в первобытном обществе существовали танцы, изображавшие трудовые процессы, воспроизводившие движения животных, танцы магического характера, воинственные. В них человек обращался к силам природы. Не умея их объяснить, он молился, заклинал, приносил им жертвы, прося удачной охоты, дождя, солнца, рождения ребенка или смерти врага. Все это, впрочем, можно увидеть и в наше время, в искусстве народов Африки, например. Описание танцев путешественниками и фольклористами рассказывают о жизни, обычаях и нравах различных народов. Танец — один из самых древних и массовых видов искусства. В нем находят отражение социальные и эстетические идеалы народа, его история, трудовая деятельность на протяжении веков, жизненный уклад, нравы, обычаи, характер. Народ создает в танце идеальный образ, к которому он стремится и который утверждает в эмоциональной художественной форме. С изменением социального строя, условий жизни менялись характер и тематика искусства, в том числе и народной хореографии. Новые темы, новые образы, иная манера исполнения появились в танцах народов нашей страны после Великой Октябрьской социалистической революции. Есть масса лирических, героических, комических, медленных и плавных или вихревых, огневых, коллективных и сольных плясок, в которых ярко и убедительно раскрывается образ наших современников. В многочисленных ансамблях народного танца, профессиональных и самодеятельных, мы видим танцы, посвященные различным темам и историческим событиями в жизни народа. С профессиональным искусством танца мы встречаемся еще в опере, музыкальной комедии, на эстраде, в цирке, кино, балете, на льду, иногда — в драме. Любой начинающий хореограф может соприкоснуться к специфике всех этих видов хореографии. Самой сложной формой профессиональной хореографии считается классический балет. Балетный танец основан на народном танце, который в свое время проник в салоны высшей знати. Развитие танцевальной техники в салонах пошло по иному направлению, чем это происходило в народе: ведь народ танцевал на лужайке или на земляном полу хижин, а знатные дамы и кавалеры скользили по гладкому полу, изящно вытягивая носки, плавно и важно приседая по правилам, специально выработанным придворными танцмейстерами.

Классификации танцев Классификация танцев: стили, формы, содержание.

Взрослая и детская хореография имеет три раздела:

§ народный,

§ бытовой (или как его еще называют бальный) танец и

§ профессиональное искусство танца, в том числе и классический балет.

Народный танец — искусство, основанное на творчестве самого народа;

Бытовой или бальный танец — это вид танца, имеющий народные истоки, но исполняемый на вечерах, балах и т. д.;

Профессиональное искусство танца — (включающий и классический танец) — вид сценического драматического искусства, требующий профессиональной хореографической обработки национальных и народных истоков .

Существуют разночтения и терминологическая неупорядоченность в определении понятия «танец» как в работах отечественных исследователей, так и в работах зарубежных ученых. По данным Э. А. Королевой, слово «танец» вошло в русский язык в XVII в. (от немецкого tanz, которое заимствовано было из польского, с добавлением суффиксаец), а до этого пользовались славянским словом «пляска». В феодальной России понятие «пляска» было шире, чем понятие «танец», так как включало в себя все разновидности пляски: обрядовую и необрядовую, профессиональную и непрофессиональную, массовую и групповую, парную и сольную, а также пляИстория развития танца В отличие от прочих видов человеческой деятельности, танец нечасто оставлял четко идентифицируемые материальные свидетельства, способные просуществовать тысячелетия, подобно каменным орудиям, охотничьему снаряжению или пещерной живописи. Невозможно точно определить период, когда танец стал частью культуры человеческого общества, однако несомненно, что еще до появления древнейших цивилизаций он являлся важным элементом церемоний, ритуалов, празднований и увеселительных мероприятий. Существуют доисторические свидетельства наличия танца у древних народов, например, изображения танцующих в скальных жилищах Бхимбетка (Индия) и древнеегипетских захоронениях, датируемых 3 300 г. до н.э.

Первым примером планомерного использования танца, возможно, было сопровождение сказания мифов. Танец мог использоваться для выражения чувств к лицу противоположного пола и был связан с любовной игрой. До возникновения письменности он служил одним из способов передачи сказаний. Танцевальные позы изучались выдающимися греческими скульпторами с целью изображения чувств средствами скульптуры.

Возникли танцы в глубокой древности, тогда они были выражением сильных эмоций (охваченный ликованием человек пускается в пляс). Совместный танец усиливает переживаемое чувство как самих участников, так и зрителей. Изначальная функция танца — выражение эмоциональной жизни используя слаженные движения. Древние люди отмечали танцами многие важные события своей жизни: рождение, смерть, война. С помощью различных танцев они выражали свои пожелания о дожде, о солнечном свете, о плодородии, о защите и прощении. Танцевальные па происходят от основных форм движений человека — ходьбы, бега, прыжков, поворотов и раскачиваний. Их сочетания со временем преобразовались в па традиционных танцев. У каждого народа формировались свои традиции, связанные с танцами. В народных танцах появилось различие между теми которые танцуют для себя (бытовыми), и теми, которые исполняют на показ (сценические и культовые). У бытовых танцев с течением времени обозначились различия между крестьянским и городским. Со временем из городских танцев выделились придворные, бальные и салонные. Эти танцы явились основой развития европейского балета.

Огромное влияние на развитие европейской танцевальной культуры имело танцевальное искусство Древнего Востока и античности: ассирийские, древнеегипетские и древнегреческие религиозные празднества. Военные, атлетические танцы были обязательной частью представлений древнегреческого театра. Танцовщики-пантомимисты появились в эллинистическое время в 4—2 веках до нашей эры. Эллинистический танец продолжал развиваться в Древнем Риме (2—1 века до н. э.) и, наконец, он получил своё развитие в пантомиме во 2—5 веках нашей эры. Пантомима — «вид сценического искусства, в котором главным средством создания художественного образа является пластическая выразительность человеческого тела, жест, мимика». В средние века в Европе, несмотря на неблагоприятную религиозную обстановку, происходила дальнейшая театрализация танца, появились жонглёры, шпильманы, скоморохи. В 15—16 веках создавались посвящённые танцам трактаты и учебники, исполнялись морески — сюжетные танцевальные сцены, в начале 17 века появился балет. В этот период Французская королевская Академия танца, основанная в 1661 году, разработала танцевальную систему, которая сейчас называется классическим танцем.

Появившийся в австрийской области Ландль парный круговой трехдольный танец ландлер постепенно превратился во всем известный и всеми любимый вальс. На рубеже XVIII и XIX веков, завоевав Вену, вальс быстро распространился по многим странам. Во второй половине 19 века в сценическом танце возникает танцевальный лейтмотив. Лейтмотив — «музыкальный оборот (мотив, фраза, реже целая тема, иногда гармоническая последовательность), неоднократно повторяющийся в качестве сквозного образа музыкального произведения». Большое внимание уделяется согласованности солистов танца и кордебалета и других участников. В это время появились пуанты — «специальная обувь, дававшая возможность исполнительнице стоять, передвигаться и стремительно вращаться на пальцах», что дало возможность разрабатывать новый, виртуозный стиль. В конце 19 века появился танец «модерн» — свободный, пластический или ритмопластический танец. В 19 — начале 20 веках появляются специальные помещения и площадки для танцев (кафе-шантаны, танцевальные бары, залы, садовые площадки).

Глава 2. Современные стили хореографии

2.1 Уличные танцы. ХипХоп степ хореография танец движение Уличные стили, такие как локинг, поп-локинг, брейк-дэнс начали свою историю в США в 70-х годах прошлого века. Более современные течения — хип-хоп, крамп, фанк — получили известность в 80-е годы. Молодые люди, собираясь вместе, устраивали своеобразные танцевальные соревнования — баттлы. Вначале они носили стихийный характер, а затем стали организовываться заранее. К таким соревнованиям танцоры стали специально готовиться, приглашать болельщиков и зрителей. Сейчас такие состязания ежегодно проводятся и на локальном, и на международном уровне в разных местах земного шара. Наиболее известные из них — Battle of the Year и Juste Debout.

Обычно выступления танцоров уличных танцев носят импровизационный характер, но в соревнования включаются и готовые номера. Развитие уличных танцев не стоит на месте. И сейчас создаются новые элементы, направления, стили, течения. Происходит и процесс объединения более традиционных стилей с уличными, что приводит к появлению новых, довольно оригинальных гибридных форм танца, таких как, например, стрит-джаз.

Что такое уличные танцы?

Под общим названием «уличные танцы» объединены танцы разных стилей и направлений. У каждого из них своя техника и свои особенности. Это танцы, которые исполняются с удовольствием, а не под давлением строгих норм и стандартов. Настроение танцора сегодня и сейчас — это главное наполнение уличных танцев. Основной упор исполнитель делает на индивидуальность и оригинальность. Ради создания своего собственного индивидуального стиля танцор не боится смешивать и по-своему интерпретировать движения других танцевальных стилей. Импровизация — главная особенность уличных танцев. Даже выступления, подготовленные заранее, не имеют жестких рамок, и могут быть изменены под влиянием сиюминутного настроения исполнителя. Чувство танцора — важный критерий того, насколько кстати то или иное движение в каждом конкретном случае. Изменение эмоционального состояния танцора может привести к совершенно новой, оригинальной интерпретации танцевального номера.

Особенности уличных танцев Оригинальной формой демонстрации своих хореографических умений танцорами являются, так называемые, схватки. Этот термин первоначально использовался при упоминании брейк-дэнса, но сейчас он применим и к другим формам уличных танцев.

Действо происходит следующим образом. В центре зала или на улице освобождается место для танцоров. Зрители стоят вокруг и подбадривают тех исполнителей, которые пришлись им по душе. Судьи, совместно со зрителями, определяют победителей. Обычно танцоры демонстрируют мастерство по очереди, если это не заранее подготовленный групповой номер. Представители одной команды танцоров в хип-хоп называются бандами.

Другой вид таких соревнований называется «стенка на стенку». Исполнители стоят на прямой линии лицом друг к другу и исполняют импровизированные танцевальные движения. Такой вид соревнований используется реже, так как в данном случае ограничены возможности для проявления индивидуальности.

Неотъемлемой частью танцевальных баталий является демонстрация уважения участников соревнований друг к другу и, особенно, к соперникам. Агрессивное выяснение отношений, драки, неадекватное поведение не приветствуются.

История хип-хопа зарождалась в конце 60-х годов 20-го века и продолжает развиваться по сей день. То, что началось более 30 лет назад, вылилось в собственное движение и культуру. Хип-хоп культура возникла в Нью-Йорке среди негритянских и латинских гетто. Уличная культура существовала испокон веков во всех странах. Но в США, где есть гетто, она имела особую изолированность от общества. И вот она выплеснулась на улицы белых кварталов, а затем в массы — шоу-бизнес, дискотеки, кино и т. д.

Хип-хоп культура была международно признана с 70-х гг. Главными ее составляющими являются рэп (МС'ing — эмсиинг), брэйк-дэнс, граффити, уличные виды спортивных игр. А начиналось все так. Несмотря на то, что хип-хоп как образ жизни зародился давно в самых разных уголках Северной Америки, истинной родиной считается Южный Бронкс — черное гетто Нью-Йорка, один из беднейших кварталов. Но слова хип-хоп тогда еще не было, его придумал несколько лет спустя легендарный DJ (диджей) Африка Бамбаатаа, когда повзрослевшая культура уже нуждалась в общем названии. В Южный Бронкс в 1967 году приехал из Ямайки Clive Campbell, получивший прозвище Кул Херк (Kool Herc). Он считается одним из основателей хип-хопа. Кул Херк стал тем, что позднее получило название «ди-джей». Он привнес с собой ямайский стиль, где главное было в ведущей роли ди-джея. На Ямайке DJ был «хозяином» музыкальной системы, вокруг которой складывалась молодежная жизнь. Он сам устраивал вечеринки, произносил в микрофон интересные речи-маевки. Вскоре его стали называть МС («master of ceremony» — «эм-си» мастер церемонии) — он подбирал пластинки, проигрывал, анонсировал их. А когда ди-джей стал помимо анонсирования произносить под музыку ритмические тексты, это стало называться словом «рэп». Кул Херк не проигрывал поп-хиты, он предпочитал более жесткий черный фанк типа Джеймса Брауна, соул и ритм-энд-блюз (R'n'B). Влияние Кул Херка с подобными вечеринками распространялось и вскоре он, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa и Grandmaster Caz начали играть на вечеринках по всему Бронксу, а также в Бруклине, Манхэттэне. Вскоре Кул Херк для удобства танцоров начинает повторять инструментальные перерывы — так называемые брэйки — между куплетами, во время которых на танцпол выходили танцоры и показывали свое мастерство. Кул Херк отметил энтузиазм танцоров к таким брэйкам и придумал термин «B-Boy» (би-бой), «Break boys» — для тех, кто движется в манере брэйка, а сам танец получил название breakdancing style (breaking). «Эм-си» стало синонимом рэпа уже тогда, когда рэпперами сделались не только ди-джеи, а и исполнители, умеющие двигаться в специальной хипхоповской манере. В конце 60-х брэйк существовал в виде двух самостоятельных танцев — нью-йоркского акробатического стиля, который у нас называется нижним брэйком, и лос-анжелесской пантомимы (верхний брэйк). Именно акробатический стиль брэйкинга первоначально крутили би-бои в брэйках. Популярен он стал после того, как в 1969 Джеймс Браун написал фанк-хит «The Good Foot» и исполнил на сцене элементы этого танца. Этот стиль положил начало танцевальным соревнованиям. В конце 70-х произошло расширение влияния и географии хип-хопа, сначала в Нью-Йорке. В районах Harlem, Bronx, Queens начали выступать диджеи и брэйкерские группы. Начались «сражения» между диджеями, соревнования танцоров. Различные уличные шайки танцоров стали известными как брэйкинг-команды, которые практиковались, выступали вместе, развивали свое мастерство.

Все это привело к положительным последствиям — снизилась агрессивность разборок между уличными группировками, отрицательная энергия реализовывалась в другой мирной форме. Хип-хоп культура представляла политически мотивированную альтернативу преступлениям, насилию. Хип-хоп-танцевальные сражения удерживали детей и молодежь Нью-Йорка от наркотиков, алкоголя и уличного насилия, так как занятие брэйк-дэнсом требовало здорового образа жизни. Хип-хоп оздоровил обстановку в криминальных кварталах Нью-Йорка. Музыка и танец по истине являются универсальным средством для преодоления барьеров между людьми! Бамбаатаа даже заявлял, что когда они создавали хип-хоп культуру, то создавали ее, думая и надеясь, что эта новая идея будет стоять рядом с понятиями мир, любовь, братство, дружба, единство, чтобы люди могли уйти от того негатива, который заполнял улицы. И несмотря на то, что негативные вещи все еще случались, хип-хоп культура, прогрессируя, играет большую роль в разрешении конфликтов, а также все больше укрепляет свое положительное влияние.

Бамбаатаа сформировал свою собственную брэйкерскую команду под названием Zulu Nation, которая в конечном итоге выросла в организацию и включала в себя рэпперов, ди-джеев, граффити-художников, танцоров. Zulu Nation наряду с другими командами способствовала популяризации брэйк-дэнсинга. Бамбаатаа включал в хип-хоп культуру 5 элементов: MC’инг («Rapping» — рэп), Ди-джеинг, Граффити (Writing), Танцы (Breaking, Up-Rocking, Popping, Locking) и знания. Последний пункт по его ощущению означает, что существует недостаток знаний о хип-хоп культуре.

Лос-анжелесская пантомима, называемая «boogie», шла от негритянской традиции. Знаменитый «ticking» — ломаная пляска, в которой танцора заклинивает в разных положениях, — имеет африканские корни. «Waiving», в котором тело движется свободными волнами, возник, как ритмический припев к тикингу. В 1969 танцор Дон Кэмпбэл создал «кэмпбэллоккинг» как попсовый вариант народного танца. Вскоре его название трансформировалось в «locking». В 1973;77 Lockotron Jon и Shabadoo вводили «locking» и «popping» в Нью-Йорке. Это была первая реальная форма хип-хоп танца. В 1978 хип-хоп танец продолжает развиваться со стилями «popping» и «the robot».

B-boy команды Breakmachine, Uprock, а также мотор-команды «Rock Steady Crew, Dynamic Rockers, Floormasters Incredible Breakers и Magnificent Force развивались, улучшали свое мастерство и выходили на сцену. В дискотечный брэйк лос-анжелесский буги пришел в виде стиля «робот».

Ветеран хип-хопа и ведущий би-бой с 70-х годов ХХ века — Richard Colon по прозвищу «Crazy Legs». Его брэйк-дэнс группа «Rock Steady Crew» — одна из самых громких, мотор, вытянувший новую культуру хип-хопа из мрака начала 80-х. Брэйк и рэп стали синонимами хип-хопа, к которому относится также и граффити, как один из факторов, способствовавший популяризации хип-хопа. На слэнге человек, занимающийся граффити, называется «tag». Поначалу уличные художники разрисовывали стены зданий, вагоны метро красками-спреем. Постепенно наиболее интересные картинки перекочевали в арт-галереи. Став модным, хип-хоп вышел за пределы США и охватил на какой-то период часть белой молодежи. Интерес белой молодежи к хип-хопу как в Америке, так и в других странах, начался скорее всего с брэйк-дэнса, где не нужно было знания языка, потому что язык движений универсален. А этот диковинный способ двигаться вызвал колоссальный интерес в середине 80-х, после выхода двух кинофильмов «Breakin» и «Beat Street». Белые молодые люди стали проникаться идеями брэйка и рэпа. В молодежной среде многих стран возникла яркая вспышка интереса к брэйк-дэнсу и рэпу. Во второй половине 80-х увлечение перешло в более спокойное русло.

В середине 80-х рэп выходит за рамки хип-хоп культуры в мэйнстрим американской музыкальной индустрии, белые музыканты начали воспринимать и охватывать новый стиль. Некоторые поп-группы стали в какой-то степени пропагандистами хип-хопа, увидев там нечто интересное и новое. Возникало творческое сотрудничество, что способствовало расширению международной известности хип-хопа. В это время история хип-хопа продолжает развиваться быстрым темпом. В 1986 рэп достиг вершины десятки чарта Billboard с композицией Beastie Boys «(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)» и композицией Run-DMC и Aerosmith «Walk This Way». Run-DMC, известные соединением рок-музыки с их рэпом, стали одной из первых рэп-групп, регулярно показываемой по MTV.

В 90-х наблюдается вторая волна интереса к хип-хопу, особенно к рэпу. Брэйк оказался сложным для масс молодых людей и стал уделом небольшой группы молодежи. В 90-х рэп становится все более эклектическим, демонстрируя безграничную способность брать сэмплы из любой музыкальной формы. Некоторые рэп-исполнители заимствовали из джаза, используя сэмплы, также как и живую музыку. По мере того, как рэп становился все более возрастающей частью американского мэйнстрима в музыке в 90-х, политический рэп становился менее заметным, в то время как гангстерский рэп, представленный Geto Boys, Snoop Doggy Dogg, и Tupac Shakur, становился более популярным. С середины 1980;х рэп музыка сильно повлияла на черную и белую культуры в Северной Америке. Многое из слэнга хип-хоп культуры, становилось обычной частью словаря существенной части молодых людей различного этнического происхождения. Сторонники гангстерского рэпа аргументировали, что не имеет значения, кто слушает музыку, рэперы оправданы тем, что они точно отображают жизнь в бедных районах Америки.

Хип-хоп танец может быть разделен на два основных типа: old school (старая школа хип-хопа) и new style (новая школа хип-хопа). Старая школа (old school) включает в себя popping, locking, breakdance. Popping в свою очередь делится на boоgaloo, electric boоgaloo, tetris, waiving, robot, egypcian, pop corn. Стиль «locking» cтал сценическим стандартом для многих черных певцов и такие звезды MTV как Janet Jackson и ее танцоры, а также многие другие движутся именно в этом стиле.

В 90-х произошло появление новой формы хип-хопа, который соединяет движения из стилей старой школы: поппинг, локкинг, брэйкдэнсинг (но больше концентрируется на работе ног, в противовес акробатическому стилю), а также из многих других стилей. Позже люди начали определять этот стиль как новую школу (new school). Постепенно, проникая в поп-культуру, впитывая в себя все новые элементы и стили, трансформируясь, хип-хоп становится ведущим танцевальным направлением и выделяется в отдельное направление — hip-hop new style. Сейчас в видеоклипах знаменитых звезд хип-хоп и R’n’B музыки, мы видим танцоров, двигающихся в стиле new style hip-hop. Хип-хоп как танцевальное направление является настолько популярным, что он проник в нашу жизнь повсеместно — в шоу, клипы, школы и центры танцев, фитнес-клубы, кино, театр и т. д.

Спустя более, чем 30 лет с момента вспышки и развития хип-хопа нет никаких признаков спада этой культуры. И смотря вперед, можно с точностью сказать, что будущее этой культуры светлое, так как много страниц в истории хип-хопа еще не написаны.

2.2 Современные танцы. Джазмодерн степ хореография танец движение Танец джаз-модерн — одно из направлений современной зарубежной хореографии, зародившееся в кон. XIX — начало. XX вв. в США и Германии. Термин «Танец модерн» появился в США для обозначения сценической хореографии, отвергающей традиционные балетные формы. Войдя в употребление, вытеснил другие термины (свободный танец, дунканизм, танец босоножек, ритмопластический танец, выразительный, экспрессионистский, абсолютный, новый художественный), возникавшие в процессе развития этого направления. Общим для представителей танца модерн, независимо от того, к какому течению они принадлежали и в какой период провозглашали свои эстетические программы, было намерение создать новую хореографию, отвечавшую, по их мнению, духовным потребностям человека XX века. Основные её принципы: отказ от канонов, воплощение новых тем и сюжетов оригинальными танцевально-пластическими средствами. В стремлении к полной независимости от традиций пришли, в конце концов, к принятию отдельных технических приёмов, в противоборстве с которыми зародилось новое направление. Установка на полный отход от традиционных балетных форм на практике не смогла быть до конца реализована. Идеи, жест, освобождённый от условности и стилизации (в том числе музыкальной), способен правдиво передавать все нюансы человеческих переживаний. Его идеи получили распространение в начале 20 в. после того, как были художественно реализованы двумя американскими танцовщицами, гастролировавшими в Европе. Лои Фуллер выступала в 1892 в Париже. Её танец «Серпантин» строился на эффектном сочетании свободных телодвижений, стихийно порождаемых музыкой, и костюма — огромных развевающихся покрывал, освещённых разноцветными прожекторами. Однако основоположницей нового направления в хореографии стала Айседора Дункан. Её проповедь обновлённой античности, «танца будущего», возвращённого к естественным формам, свободного не только от театральных условностей, но и исторических и бытовых, оказала большое влияние на многих деятелей искусства стремившихся освободиться от академических догм. Источником вдохновения Дункан считала природу. Выражая личные чувства, её искусство не имело общих черт с какой-либо хореографической системой. Оно обращалось к героическим и романтическим образам, порождённым музыкой такого же характера. Техника не была сложной, но сравнительно ограниченным набором движений и поз танцовщица передавала тончайшие оттенки эмоций, наполняя простейшие жесты глубоким поэтическим содержанием. Дункан не создала законченной школы, хотя и открыла путь новому в хореографическом искусстве. Импровизационность, танец босиком, отказ от традиционного балетного костюма, обращение к симфонической и камерной музыке — все эти принципиальные нововведения Дункан предопределили пути танца модерн. В России одними из первых ее последователей были студии свободного, или пластического танца и музыкального движения.

Другим источником, существенно воздействовавшим на его формирование, была система Э. Жака-Далькроза — ритмика. Ритмопластический танец, развившийся на её основе, был во многом противоположен дунканизму. Жак-Далькроз исходил из аналитичного, внеэмоционального воплощения исполнителями музыки; танец не был произвольной трактовкой её тематической программы, разные части тела создавали как бы пластический контрапункт, в котором движения танцовщиков соответствовали отдельным голосам музыки. Но даже в своих первых крупных постановках в Хеллерау Далькроз воплотил не только структуру музыкального произведения, но передал их эмоциональное содержание, что потребовало уже чисто пластической выразительности жеста и позы. Против такого безраздельного господства музыки над танцем выступил австрийский хореограф Р. Лабан, ставший ведущим теоретиком танца модерн. Для обоснования своих взглядов он обратился к философско-эстетическим учениям древней Индии, пифагорийцев и неоплатоников. В теоретическом труде «Кинетография» (1928) Лабан изложил универсальную концепцию танцевального жеста, которая оказалась применимой для анализа и описания всех пластико-динамических характеристик движений независимо от того, к какой национальности, стилевой и жанровой категории они принадлежат. Не менее существенной для формирования эстетики танца модерн была мысль Лабана о том, что художественно осмысленное движение должно быть выражением внутренней жизни его творца, а не содержания музыки. Наиболее полную реализацию идеи Лабана получили в его постановке «Мерцающие ритмы»

Творчество ученика и сотрудника Лабана Курта Йосса было направлено на создание нового танцевального театра. Йосс использовал сценографию, музыку, хоровую декламацию, возрождал традиции мистериального и культового театров. Однако все эти приёмы рассматривались как служебные, возбуждающие «энергию движения тела». Танцевальная пластика для представителей «выразительного танца», как себя стали называть последователи Лабана, оставалась главным и часто единственным, средством создания художественного образа. Один из первых хореографов танца модерн — Йосс осознал необходимость синтеза выразительности, танца с техникой классического танца и не балетной пантомимы. Новаторство Йосса проявилось и в обращении к совершенно новым для балетного театра темам; например, «Зелёный стол» (1932) — первый балет с ярко выраженной политической и антимилитаристской направленностью. Расширению круга тем и образов хореографии содействовала и немецкая танцовщица и хореограф Мэри Вигман (ученица Лабана). Её искания шли в русле экспрессионизма. Она отказалась от движений, традиционно считавшихся красивыми. Уродливое и страшное Вигман считала также достойным воплощения в танце. Её сольные и групповые постановки («Жалоба», циклы — «Жертва», «Танцы матери» и «Семь танцев о жизни») отличались крайней напряжённостью и динамизмом форм. Вигман привлекали темы одержимости, страсти, страха, отчаяния, смерти. В искусстве Вигман отсутствовал пафос протеста, оно выражало образы-символы общечеловеческих эмоций. Идеи Вигман оказали глубокое воздействие на развитие танца модерн. Её ученица Ханя Хольм распространила идеи Вигман в США. Грета Палукка, другая ученица Вигман, обращалась не только к мрачному и трагическому. Юмористичные, просветлённые, лирические темы и образы также находили выражение в её творчестве. Музыка, от которой Вигман часто отказывалась, в искусстве Палукки снова обрела должное значение: танцевально-пластическое воплощение получили произведения Б. Бартока, Р. Штрауса, И. Брамса, Г. Ф. Генделя. Палукка внесла в танец модерн технику высоких прыжков и разработала свою методику преподавания. У Вигман также учились известные представители танца модерн — И. Георги, X. Кройцберг, М. Терпис, В. Скоронель, Г. Лейстиков. Индивидуальный стиль этих хореографов, равно как и других мастеров танца модерн (сестёр Визенталь, А. Сахарова и К. Дерп, Г. Боденвизер, Л. Глосар, Сент-Махезы, работавших в Германии, Австрии, Нидерландах, Швеции и Швейцарии), складывался под воздействием основных школ немецкого танца модерн и разнообразных художеств, течений европейского искусства первой трети 20 в. Характерны две ведущие тенденции развития. Представители одной, следуя эстетическим концепциям экспрессионизма, видели в выражении субъективных переживаний хореографа основополагающий принцип творчества. Резкость изломанных линий, нарочитая огрублённость форм, стремление вскрыть бессознательные мотивы поступков человека, «показать истинную сущность его души» — всё это составляло основу их хореографии. Крайнее выражение эти идеи получили в т. н. абсолютном танце, исключавшем из хореографии не только любые внетанцевальные элементы, но и фиксированную композицию. Представители этого направления утверждали, что и в групповых постановках возможна полная свобода формотворчества, позволяющая каждому исполнителю в зависимости от его индивидуальности развивать самостоятельный, пластический мотив. Второе направление сложилось под влиянием конструктивизма и абстракционизма. В искусстве его представителей форма приобретала значение не только средства выражения, но становилась непосредственным содержанием танцевального образа. О. Шлеммер (сотрудник нем. школы строительства и конструирования Баухауз) рассматривал танец как точно рассчитанную конструкцию. Тело исполнителя в его «танцевальной математике» (так Шлеммер называл свою хореографию) служило лишь способом выявления «чисто кинетических формул», подчинённых тем же числовым закономерностям, что и движения механизмов. Другое проявление конструктивизма в танце модерн — т. н. «танцы машин» — массовые ритмопластические композиции, имитировавшие работу различных механизмов, в основе которых были движения танцовщиков, близкие гимнастическим, намеренно лишённые эмоциональной окраски (В. Скоронель в Германии и Н. М. Форрегер в СССР). Виднейшие мастера немецкого танца модерн были связаны с левым политическим движением.

Труппы танца модерн имеются в Аргентине, Бразилии, Гватемале, Колумбии. Большое распространение танец модерн получил на Кубе, где сложилась своя школа. Первые труппы были организованы в начале 60-х гг. Р. Геррой и Альберто Алонсо. Продолжая развивать традиции американского и мексиканского танца модерн, кубинские хореографы проявляют особый интерес к негритянском фольклору, причём не только в его латино-американских формах, но и в африканских. И Европе существует несколько крупных учебных центров танца модерн — «Палукка-шуле» (Дрезден, ФРГ) и «Фолькванг-шуле» (Эссен, ФРГ) и др. Широкое распространение танец модерн получил и в других странах. Шведский танцевальный театр (Б. Кульберг и И. Крамер), Нидерландский театр танца, Печский балет (Венгрия). «Батшева» и «Инбал» (Израиль), Танцевальная труппа культурного центра искусств (руководитель А. Рейес, Филиппины) и другие. Стиль этих коллективов определяется принадлежностью их руководителей к американским или немецким школам танцам модерна, а также степенью использования национального фольклора и не балетной пантомимы, владением техникой классического танца.

Танец модерн оказал влияние и на классический танец. Ни один из крупнейших балетмейстеров 20 в. начиная с А. А. Горского, М. М. Фокина и В. Ф. Нижинского и кончая Дж. Баланчиным и Ю. Н. Григоровичем, не прошёл мимо отдельных частных открытий в этом направлении. Однако элементы танца модерн претворялись ими на основе иных идейно-хореографической концепций. С середины 50-х гг. стремление к синтезированным поискам некоего нового языка современного танца становится заметной тенденцией зарубежной хореографии. Многих произведениях хореографов танца модерн и балетмейстеров классической школы (Морис Бежар, Р. Пети, Ж. Шарра, Альберто Алонсо, X. Лефебр, А. Де Милль, Дж. Роббинс, Х. Ван Манен, Р. Джофри, Дж. Арпино, Г. Тетли, М. Рамберт, Э. Тюдор, Дж. Крэнко, К. Макмиллан, М. Эк, Т. Гзовская, Т. Шиллинг, К. Я. Голейзовский, Май Мурдмаа и др.) трудно причислить к тому или иному направлению.

Возрастает интерес к танцу модерн и в странах с давними традициями классического танца. В 1967 г. в Лондоне был организован крупнейший в регионе центр по изучению танца модерн, при котором созданы школа и труппа — Лондонский современный театр танца (под рук. Р. Коэна). В 1972 г. Ж. Руссильо создал труппу Балетный театр Жозефа Руссильо во Франции. Старейшие балетные труппы этих стран — «Балле Рамбер» и парижская Опера также включают в репeртуар постановки танца модерн (с 1974 при парижской Опере работает экспериментальная группа — Театр исканий (рук. К. Карлсон). На гастроли в СССР приезжали: Балет города Печ. труппы Алвина Эйли, Хосе Лимона, Кубинский ансамбль современного танца, Танцевальный ансамбль Крамера, Театр танца культурного центра Филиппин, Ансамбль танца под руководством Пола Тейлора, Балетный театр Жозефа Руссильо и другие. Самобытно интерпретировали танец модерн современные хореографы Л. В. Якобсон (хореографические миниатюры по скульптурам Родена), О. М. Виноградов («Ярославна» Тищенко), Н. Н. Боярчиков («Орфей и Эвридика» на муз. Журбина) и другие.

2.3 Бальные танцы. Танго Бальный танец — «танец, который служит для массового развлечения и исполняется парой или большим количеством участников на танцевальных вечерах (балах)». Сначала у бальных танцев не было четко установленной формы. Были популярны низкие танцы — басседансы с поклонами, реверансами, салютами, часто сопровождаемые шествиями со свечами и факелами, пением самих танцующих, а также игрой на лютне, флейте, тамбурине и других музыкальных инструментах того времени. Обычно танцы объединялись: например, эстампида или басседанс с сальтареллой, павана с гальярдой. Возникновение и теоретическая разработка правил бальных танцев происходит в 14 веке в Италии, откуда они проникают во Францию, которая в 16—17 веках становится законодательницей бальных танцев. Распространившись в 17 веке по всей Европе, постоянно обогащаясь и развиваясь в каждой из стран, он приобретал своеобразные оттенки национальной стилистики. Наиболее популярным становится менуэт. В основанной в 1661 году в Париже Академия танца регламентировались стиль и манера исполнения бальных танцев, при этом запрещалась импровизация, нарушения определённого порядка (большое значение придавалось рангу танцующих). Для обучения бальным танцам появляются специальные учителя, создаются школы танца. В 18 веке получили распространение платные балы, первый общественный платный бал состоялся в 1715 в Париже. Распространяются новые, более свободные танцы: паспье, мюзет, ригодон, контрданс, экоссез, лендлер. В 1768 в Париже открылось первое специализированное помещение для бальных танцев. Либерализация общественной жизни в 19 веке способствовала развитию массовых, ритмически живых и естественных, ту-степ, уан-степ, блюз, фокстрот, квик-степ, чарл-стон и другие, которые сильно повлияли на развитие бальных танцев. Бальные танцы могут быть, не только парными, но и массовыми, которые «исполняются группой танцующих, образующих круг или линию (летка-енка, сиртаки и др.). В массовых танцах каждый исполнитель не имеет определённого партнёра по танцу». В 50—60 годы модные бальных танцев. Повсеместное распространение получают танцы лансье, лендлер, галоп, канкан, полька, мазурка, полонез. С середины 19 века гавот и менуэт вытесняются вальсом, в развитие которого наиболее весомый вклад внесли венские композиторы И. Штрауса-отец, И. Ланнер, И. Штрауса-сын. В конце 19 — начале 20 века из стран Северной и Южной Америки появляются танцы: вальс-бостонтанцы часто сменяется, возрастаает роль группового массового танца, исчезают ограничения в положениях или движениях рук в танце, танцы исполняются без непосредственного телесного контакта. Тамнго (исп. tango) — аргентинский народный танец; парный танец свободной композиции, отличающийся энергичным и четким ритмом. Изначально исполнялся исключительно мужчинами.

Изначально получил развитие и распространение в Аргентине, затем стал популярен во всем мире. Танго также называлось «танго криолло» (tango criollo), что и значило «аргентинское».

Сегодня существует много танцевальных видов и стилей танго, в том числе аргентинское танго, уругвайское танго, бальное танго (американского и международного стиля), финское танго и старинное танго. Основное разграничение — это танго социальное (аргентинское) и танго бальное. Аргентинское танго зачастую рассматривается как «аутентичное» танго, поскольку оно ближе к изначально танцевавшемуся в Аргентине и Уругвае.

Танго получило распространение от африканских сообществ в Буэнос-Айресе на основе древних африканских танцевальных форм. Слово «танго» также имеет африканское происхождение, его возводят к языку нигерийского народа ибибио, где оно значило «танец под звук барабана», и применяют к мелодиям, полученным в результате синтеза различных форм музыки из Европы, Африки и Америки. Хорхе Луис Борхес в El idioma de los argentinos пишет: «Танго принадлежит кЛа-Плата и является „сыном“ уругвайской милонги и „внуком“ хабанеры». Слово «танго», похоже, впервые используется в отношении к танцам в 1890-е. Первоначально этот танец был лишь одним из многих, но вскоре он стал популярным во всем обществе.

В первые годы ХХ века танцоры и оркестры из Буэнос-Айреса и Монтевидео отправились в Европу, и первый европейский показ танго состоялся в Париже, а вскоре после этого в Лондоне, Берлине и других столицах. К концу 1913 года танец попал в Нью-Йорк, США и Финляндию. В США в 1911 году название «танго» часто применялось для танцев в ритме 2/4 или 4/4 «на один шаг». Иногда танго исполняли в довольно быстром темпе. В тот период иногда относились к этому как «Североамериканского танго», в сравнении с «Рио де ла Плата танго». К 1914 были более распространены аутентичные стили танго, а также некоторые варианты, как «Менуэт-танго» Альберта Ньюмана.

Несмотря на Великую депрессию, период 1930—1950 годов стал «золотым веком» танго. Было создано множество ансамблей, в состав которых входили выдающиеся композиторы и исполнители танго, ставшие сегодня классиками стиля: Аннибал Тройло, Освальдо Пульезе, Астор Пьяццолла и многие другие.

Возрождение танго началось в 1983 году после открытия в Нью-Йорке шоу Forever Tango, принёсшую танцу новую волну популярности.

В 2009 году, на IV сессии межправительственного комитета ЮНЕСКО, танго, как совокупность музыки, танца, поэзии и самобытных традиций региона Рио де ла Плата, было внесено в список нематериального культурного наследия человечества.

Начиная с 1977 года, 11 декабря, день рождения певца, «короля танго» Карлоса Гарделя и композитора, дирижёра Хулио де Каро, отмечается в Аргентине как «Национальный день танго».

2.4 Латиноамериканские танцы. Самба Латиноамериканские танцы — общее название бальных и народных танцев, сформировавшихся на территории Латинской Америки. Подобно тому как сама Латинская Америка появилась в результате испано-португальской колонизации, то и латиноамериканские танцы в основе имели преимущественно испанское влияние.

Танцы хабанера и румба появились на основе завезенного в XVIII веке контрданса, а бачата — на основе болеро. В бразильской самбе, колумбийской кумбии, кубинских мамбе и румбе помимо европейских традиций прослеживаются и африканские, а вдиабладе — индейские. Уникальным латиноамериканским танцем признано танго.

К характерным чертам латиноамериканских танцев относят энергичные, страстные зажигательные движения и покачивание бедрами.

Платья дам, как правило, короткие, очень открытые и облегающие. Костюмы кавалеров тоже очень облегающие, часто (но не всегда) черного цвета. Смысл таких костюмов — показать работу мышц спортсменов.

В XX веке наблюдается расцвет латиноамериканских танцев. Появляются такие новые виды как сальса, ча-ча-ча и реггетон.

В настоящее время в программу латиноамериканских бальных танцев входят 5 элементов:

1. Самба

2. Ча-ча-ча

3. Румба

4. Пасодобль

5. Джайв Саммба (порт. samba) — бразильский танец, символ национальной идентичности бразильцев.

Танец обрёл мировую известность благодаря бразильским карнавалам. Одна из разновидностей самбы вошла в обязательную пятёрку латиноамериканской программы бальных танцев. Исполняется в темпе 50−52 удара в минуту, вразмере 2/4 или 4/4.

В русском языке слово самба имеет женский род, а в португальском — мужской.

Самба является бразильским танцем, который уходит корнями в штат Баия. Со временем, появились первые школы самбы и блокос в количестве до пятидесяти человек, которые проходили парадами по улицам. Первые бразильские карнавалы появились в двадцатых — тридцатых годах. На сегодняшний день они стали традиционными не только для Рио-де-Жанейро, но и для других крупных городов. Карнавал давно превратился в соревнования, на которых разные школы самбы соревнуются за звание «Лучшей школы самбы» .

«Бразильцы так полюбили самбу, что она стала их национальной музыкой. А Рио — центром самых разных направлений самбы. Здесь действует множество школ самбы, здесь живет его народный вариант — самба бразильских трущоб» © Жильбер Жиль.

Самба ну пэ (Samba no pй — самба на ногах) — движения этого танца используют танцовщицы (passistas), которые едут на специальном красочном фургоне при прохождении школ самбы на карнавалах. В этом случае это один из видов карнавальной самбы — сольный танец в исполнении женщин. Может исполнятся на танцплощадке как парный танец без поддержки, т. е. партнёры держатся на расстоянии.

Самба де гафиейра (Samba de Gafieira) — парный социальный танец, который объединяет в себе элементы машише, известного ранее под названием «бразильское танго», аргентинского танго, вальса. На показательных шоу танец исполняется с акробатическими движениями, заимствованными из рок-н-ролла.

Название стиля произошло от бразильского слова гафиейра, обозначающего танцевальную площадку. В Бразилии самба де гафиейра считается бальным или точнее салонным танцем (danзa de salгo), но совершенно отличается от спортивной международной самбы. Поразительное отличие двух вариантов связано с тем, что самба де гафиейра произошла от машише напрямую. Бальный танец самба (международный стандарт) формировался в Европе и США на основе облагороженного и лишённого вызывающей эротичности машише. Такой танец был представлен в 1909 году в Париже парой бразильских танцоров Дуке (бразильское произношение: Duque — Antonio Lopes de Amorim Diniz, 1884−1853) и Марией Лина (Maria Lina). Дуке создал собственную хореографию машише, которой обучал с 1914 года в открытой им школе танцев в Париже. В настоящее время предпринимаются шаги по стандартизации самбы де гафиейра с целью принятия её в обязательную латиноамериканскую программу бальных танцев (International Latin). Стандартные фигуры самбы де гафиейра приводит бразильский исследователь салонных танцев Марку Антониу Перна.

Национальная ассоциация салонного танца (Associaзгo Nacional de Danзa de Salгo, ANDANЗAS) возникла в Бразилии в 2003 году.

Пагоде (Pagode) напоминает самбу де гафиейра, но не содержит акробатических движений, исполняется парами при близком расположении партнёров друг к другу.

Самба Ашэ (Samba Axй) танец исполняется соло или большими группами. Форма самбы, которая смешивает элементы самбы ну пэ и аэробики, обыгрывает шутливые тексты песен.

Самба рэггей (Samba Reggae) зародилась в бразильском штате Баия. Очень распространенная версия самбы, которая исполняется под музыку регги.

Самба де рода (Samba de roda — круговая самба или самба в кругу) импровизированный афро-бразильский танец штата Баия. Наиболее древний и аутентичный вид самбы, от которого зародилась городская самба кариока. В Баие как правило мужчины исполняют музыкальный аккомпанемент, а женщины поют и хлопают в ладоши. Согласно традиции эти исполнители составляют круг, в котором обычно танцует только одна или реже две женщины. Мужчины редко входят в круг для исполнения танца. Капоэйристы также играют капоэйру в кругу (порт. roda — рода), которая зачастую заканчивается танцем самба де рода, в которой принимают участия сами капоэйристы.

Бальный танец самба (порт. Samba internacional, англ. International Ballroom Samba) в настоящее время относится к парным спортивным бальным танцам (СБТ) и обязателен для исполнения в латиноамериканской программе.

Для бального танца самба характерны частая смена положений партнеров, подвижность бёдер и общий экспрессивный характер. Танцевальные движения характеризуются быстрым перемещением веса тела посредством сгибания и выпрямления колен. Основная тактовая схема хореографии: «a-slow, slow, a-slow, slow». Некоторые типичные па танцоров: бота фогу (от названия района Рио-де-Жанейро Botafogo), корта жака (corta jaca), поворот (volta), быстрое движение (whisk) и скрещивание (cruzado).

Бальный танец самба возник в результате взаимного влияния двух культурных традиций: африканских ритуальных танцев чернокожих рабов, прибывавших в Бразилию из Конго, Анголы и Мозамбика, и европейских танцев (вальс, полька), привнесёнными португальцами. Самба также испытала воздействие бразильского танца шоте (порт. xote, xуtis), развившегося из шотландской польки в её немецком варианте. Бразильский шоте не следует путать с экосезом. До контакта с европейской культурой у африканцев не было парных танцев.

Энциклопедия Британника отмечает, что данный стиль парного танца имеет бразильское происхождение. Этот вид самбы стал популярным в США и Западной Европе в конце 40-х годов XX века. Многие движения танцоров были заимствованы из машише («бразильское танго»), который был в большой моде в Бразилии в 1870—1914 гг. Партнёры могут разрывать пару и исполнять некоторые танцевальные движения на значительном расстоянии друг от друга.

В Европе вплоть до 1914 года бальный танец самба не был известен, поскольку в моде был бразильский танец машише, а в Бразилии до начала 30-х годов XX века в городской среде самба существовала в симбиозе с машише: самба-машише (samba-maxixe). Машише запрещался из-за эротических движений танцоров. Следует отметить, что сексуальная откровенность и экспрессия машише также свойственна ангольскому танцу таррашинья (tarraxinha), который произошёл от медленной ангольской сембы и считается разновидностью кизомбы, а во всех этих танцах присутствует характерное древнее ритуальное движение — умбигада. Такая явная параллель предоставляет несомненные основания для предположения о едином истоке ангольской сембы и бразильской самбы.

Несмотря на то, что этот бальный танец называется самбой и происходит от бразильских танцев, в Бразилии он носит название «международная самба» (порт. o samba internacional), не считается типично бразильским и мало известен в стране. Костюмы танцоров, музыкальное сопровождение и стиль исполнения международной самбы имеют мало общего с самбой де гафиейра, которая является популярным бальным танцем в Бразилии. Движения современного бального танца самба главным образом основываются на па, заиствованных из машише, и не всегда исполняются в ритме самбы, поскольку часто сопровождаются музыкой фламенко, ча-ча-ча и сальса.

Сравнительно с другими латиноамериканскими бальными танцами парная спортивная самба в своей эволюции в наибольшей мере отдалилась от истоков, давших ей своё название, и за пределами Бразилии может называться «бразильский вальс» (Brazilian Waltz).

Отличительной особенностью самбы, как и других видов афроамериканской музыки и танцев, является синкопированный ритм. Характерно использование полиритмии и перекрёстных ритмов. Ритмическая полифония создаётся широким набором ударных инструментов.

Заключение

Танец — это движение, а движение — это жизнь. Это уникальный невербальный способ самовыражения (к таковым можно отнести только ещё: живопись, скульптуру, фотографию).

Танец — это страсть, чувство, забвение, биение твоего сердца и ритм твоего пульса, это твоя правда и твоя ложь. Как и всё остальное искусство он может быть провокационным, скандальным. «Тела никогда не лгут» сказал Агнесс де Милль. И ей вторит Марта Грэм «Танец — песня души. Песня радости или боли». Есть множество прекрасных танцевальных стилей и направлений. У каждого из них свои цели, своя красота и свои особенности. И все они востребованы. Разные люди в разных танцах ищут удовлетворения каких-то своих целей и желаний. Кто-то хочет связать с этим свою жизнь. У кого-то это просто хобби. Женщины начинают танцевать, чтобы почувствовать себя женственными и желанными. Для кого-то это просто разновидность спорта. Все ищут разные эмоции и находят их. Кто-то начинает танцевать чтобы нравиться, удивлять, быть красивым. Кто-то увлекается танцем так как находит в нём любит сентиментальность, возвышенность, одухотворенность, грациозность и красоту. Кто-то любит шик, блеск, сверкание, роскошь, музыку, ритмы, веселье. Кто-то любит экстравагантность, эпатаж, необычность, странность, эксперимент, новаторство, поиск, исследование, творчество. Кто-то любит эмоциональность, экспрессивность, темперамент, риск, экстрим.

Танец — красивый, интересный и приятный вид проведения досуга. Занятия танцами раскрепощают тело и душу, помогают поддерживать себя в надлежащей физической форме, создают интересный круг общения свободных и интересных людей. Танец неразрывно связан с внутренним эмоциональным миром человека и находит свое воплощение в движениях, фигурах, композициях. Занятия танцами принесут Вам немало приятных и интересных минут.

Библиографический список

1. Никитин В. Ю. Модерн джаз танец. Начало обучения. — М., 1998. — с. 12−13. 3.

2. Дункан А., Танец будущего, М. 1908

3. Энциклопедия БАЛЕТ Сарабьянов Д. В. «Стиль модерн». М. 2000.

4. Драгилёв, Д. Лабиринты русского танго. — СПб.: Алетейя, 2008. — 168 с — ISBN 978−5-91 419−021−4

5. Кофман, А. Аргентинское танго и русский мещанский романс // Литература в контексте культуры. МГУ, 1986, с. 220—233

6. Пасютинская, Валентина Матвеевна. Волшебный мир танца: кн. для учащихся. — Москва: Просвещение, 1985. — 219, с.: ил., фот. — Библиогр.: с. 221.

7. Журнал «Балет» («Советский балет») с 1980 г. по 2011 г

8. Русский балет: энциклопедия / под ред. А. П. Горкина. — М.: Согласие, 1997

9. Энциклопедия «Балет». CD, 2003